Pagelle nuovi singoli 13 novembre: Sayf Golden Song, Gabbani promosso, Baglioni bocciato

New Music Friday: le pagelle di All Music Italia ai nuovi singoli italiani del 13 novembre 2026, a cura di Alvise Salerno, conduttore radiofonico e divulgatore musicale sul web che ogni settimana recensisce per noi le nuove uscite italiane.

Nella settimana del 13 novembre 2026 troviamo, tra gli altri, nuovi brani di Gazzelle, Brunori Sas, Francesco Gabbani, Chiara Galiazzo, J-Ax, Claudio Baglioni, Pier Cortese e molti altri ancora.

Queste sono le pagelle della New Music Friday dedicate ai nuovi singoli italiani usciti questa settimana. All’interno delle categorie ogni brano viene valutato in stelle e con un voto numerico, così da rendere più chiaro il livello di consiglio o bocciatura.

Come sempre si tratta di opinioni personali. Il consiglio è quello di ascoltare i singoli e farci sapere la vostra. Qui sotto trovate l’elenco completo delle nuove uscite della settimana.

NEW MUSIC FRIDAY 13 NOVEMBRE 2026: LE PAGELLE AI NUOVI SINGOLI ITALIANI

I brani consigliati

E poi parliamo di ego di Teo Bok, suo pupillo di X Factor. Quanto può essere grande quello di un artista che sceglie il proprio nome e cognome come titolo di una canzone?

A parte gli scherzi e le gratuite provocazioni, Gabbani ha fatto l’ennesima bella canzone della sua carriera e, a differenza di quanto possa sembrare, non è una canzone autobiografica al 100% bensì una canzone che mette in stretto rapporto uomo e natura ma, soprattutto, che tenta di far capire al protagonista come imparare dagli errori commessi ricordandoli uno ad uno.

La canzone è una splendida power ballad che rende giustizia al suo timbro e alla sua maturità artistica che è ormai parte della cultura musicale italiana in modo netto.

In pratica è un’analisi dettagliata sotto forma di poesia musicale di tutti noi. Francesco Gabbani è semplicemente uno di noi.

Permettetemi di iniziare questa pagella con un enorme “finalmente l’ha capito”, riferito a Mew. Una voce e una profondità come la sua si stavano perdendo per inseguire delle canzoni di una banalità ai limiti dell’imbarazzante.

Questo è il suo mondo, preciso e calzante al 200%, che le dona un’aura immensa. Speriamo di sentire più volte cose del genere da parte sua, perché quelle robe alla Vaffa*amore proprio non funzionano su una come lei.

Parlato di Mew, andiamo su Ernia. Un duca vero, l’eleganza e la compostezza del rap fatto come Cristo comanda. Cos’altro si vuole aggiungere su un professionista del genere?

Direi nulla, se non complimenti per il testo che riesce a spiegare perfettamente l’evoluzione di una relazione che inizia bene e che finisce per diventare il tentativo di prevaricazione l’uno sull’altra, fino all’atto finale dei saluti necessari.

La produzione è affidata a Junior K, presumibilmente prossimo nome della schiera dei producer pronto a pubblicare brani a suo nome per poi pubblicare un futuro album. Speriamo che non sia l’ennesima compilation, anzi l’ennesima producer compilation.

Gran bella canzone.

È tornato il buon vecchio Gazzelle itpop di inizio carriera, anche se forse sarebbe più corretto dire che sia sempre stato così ma che la sua assenza ce lo fa percepire in modo più fresco di quanto non sarebbe stato se avesse pubblicato singoli a nastro.

La canzone ha un andamento classico del suo genere di appartenenza e nel testo si parla di vita vissuta con una certa Livia, donna che gli ha cambiato la vita e non in meglio.

Si percepisce una certa tossicità di fondo in questa relazione ma, alla fine, l’importante è che questa donna sia stata la “causa” della nuova scrittura di canzoni.

Mancava tanto, specialmente a una generazione specifica che nei suoi racconti si è riconosciuta.

Dario Brunori è una specie di assegno in bianco della musica italiana. Quando arrivano sue nuove canzoni sai già che sotto una certa soglia di giudizio non puoi andare, perché la sua qualità non te lo permette (per fortuna).

Ed eccoci qui, con l’ennesima canzone scritta con dolcezza, grazia ma anche concretezza. Non ci sono giri di parole, si arriva dritti al punto per raccontare questo amore che, tra l’altro, fa parte della colonna sonora del nuovo film di Paolo Genovese, da cui Brunori ha preso il titolo per la sua canzone.

Ecco, forse il punto che poteva essere reso leggermente diverso è quello dell’arrangiamento.

Si poteva fare qualcosa di diverso, magari giocando con la sua grande capacità di stare benissimo all’interno di un mondo totalmente acustico (per chi non la conoscesse, andate ad ascoltare la sua Kurt Cobain), invece si è scelta una direzione “molto italiana” per semi-citare Boris.

Il livello è quello, ormai Brunori non stupisce più.

Enrico, una curiosità, la citazione musicale a Dolcenera di De André è casuale o voluta? Dico la mia, è voluta perché tutto il brano vive sulle spalle di quel capolavoro in modo abbastanza evidente, senza scimmiottare o copiare.

Vive proprio su quel solco, con un tocco folk molto interessante considerando che è rarissimo trovare canzoni con questo tipo di arrangiamento nella sua discografia. La chitarra, neanche a dirlo, è l’elemento fondante del brano attorno al quale ruota tutto il resto ma il testo è il vero elemento interessante.

Tutto nasce dall’idea di scrivere una canzone mettendosi nei panni di un uomo che sta scontando la sua pena in un carcere, un ragazzo di 28 anni ma che in faccia mostra i segni di un’esperienza pesante, tanto da renderlo quasi un 50enne.

È una canzone che cela in modo neanche troppo velato una verità, quella delle nostre carceri malmesse, cercando di accendere un riflettore sul tema che, purtroppo, viene dimenticato da chi dovrebbe occuparsene.

Scusate ma da quando BigMama ha la stessa voce e lo stesso modo di cantare di Clara? Ma, soprattutto, da quando BigMama fa delle ballad di questo tipo?

Teoricamente, a meno di qualcosa che non stiamo ricordando, questa è la prima volta che ci si approccia a un brano del genere da parte della rapper campana.

In realtà ha tutto molto senso e ora vi spieghiamo il perché.

Il brano è estratto dalla serie tv in cui si parla di Melania Rea, purtroppo protagonista di un femminicidio davvero immorale e senza senso (come tutti gli altri del resto) che è diventato uno dei più noti nostro malgrado di questi ultimi tempi.

BigMama decide di metterci ogni singola goccia del suo sentimento, mettendo insieme i pezzi di vita di una sua amica che ha vissuto una relazione tossica molto violenta.

Sono stati tradotti tutti questi momenti in musica e parole, creando questa canzone che diventa la colonna sonora di storie che dovremmo, come Stato civile ed evoluto (in teoria), non vedere e sentire più ma che tristemente fanno parte della nostra quotidianità, quasi.

Sentimento arrivato.

È davvero complicato riuscire a restituire una nuova dignità, una nuova freschezza, a un brano storico e importante come Alexander Platz ma la Galiazzo ci è riuscita. Farà storcere il naso a molti ma ci è riuscita.

Il brano è quello, non ci sono “barre” o robe strane in aggiunta nel testo, ma l’arrangiamento è totalmente diverso. Proprio qui potrebbero nascere delle ostilità, perché aggiungere la cassa in quattro a un brano del genere è un rischio gigante ma non si eccede, non si sconfina verso territori inudibili.

Si mantiene la raffinatezza del pezzo con anche questa sezione d’archi a rendere il tutto più imponente, e non lo si offende nella sua struttura di base.

Un lavoro accurato e fatto bene.

Il solito J-Ax di questa fase della sua vita, ergo country al 100%, che si diverte con musica e testi. In questo caso il divertimento parte già dal titolo perché quello che si legge è, in realtà, un acronimo che sta a identificare Fisico Rock e Gnocca Non Alterata.

Da qui, capite bene di cosa parli la canzone. L’elogio della donna che gli ha cambiato/salvato la vita nel ricordo di episodi di spessore del loro passato.

J-Ax ha scelto questa strada che gli sta dando infinite soddisfazioni, chissà se questo nuovo singolo lo farà proseguire bene. Di certo, è un brano divertente e mette allegria ascoltandolo.

Signorina Mille al rapporto nella musica italiana con una canzone pop che rende giustizia alla sua vocalità così intensa e profonda, immediatamente riconoscibile.

Si parla di questo luogo immaginario, il superclub, all’interno del quale dei ventenni si ritrovano per condividere lo stesso disagio generazionale che li fa, però, sentire già vecchi nonostante la giovane età.

Un luogo dove c’è tutto quello di cui si ha bisogno, non c’è motivo per cercare altro, soprattutto l’amore che fa tremendamente paura. “È già tanto sognare ad occhi aperti” è il perfetto specchio di una generazione che non ha nulla e che si accontenta di quel poco che ha, trasformandolo in forza vitale.

Mille è pronta a vivere un 2027 da protagonista assoluta.

L’ultima volta gli abbiamo dato 6, questa volta qualcosa in più.

L’idea alla base del brano, sotto il profilo tecnico, è di inserire la voce come se fosse lontana, come fosse un ricordo perso nel tempo che tenta di tornare, tenta di farsi ascoltare e di non farsi dimenticare. Il mix scelto è molto sensato nell’ottica della fruizione del testo e del messaggio del brano.

L’arrangiamento è interamente acustico, solo un pianoforte e qualche suono di fondo durante il ritornello ma nulla più. Essenziale, come un sentimento umano vissuto al massimo.

Bella idea, il percorso inizia a prendere la giusta forma con un’idea che cerca di delinearsi di brano in brano.

Drast è bravissimo nel fare due cose: scrivere su basi meravigliose e cantare in corsivo.

In questa cosa ci sono entrambe ma, nel caso specifico, il corsivo sovrasta la bellezza sia del testo (in certe parti incomprensibile) che della base che, però, per fortuna resta scoperta dal cantato in più parti e se ne apprezzano le sfaccettature.

Come quando cantava negli Psicologi, anche in questo caso è la tristezza a regnare sovrana, questa ballad è la fine di una storia d’amore con la spiegazione delle dirette conseguenze della rottura che, però, non fa smettere lui di pensare a lei.

Insomma, il tema è il solito e il brano viene salvato da testo e produzione.

Ok, tutto chiaro. Questa ragazza è definitivamente diventata ciò che ad Amici le hanno impedito di essere e cioè una cantante r&b. Ottimo, finalmente il percorso di transizione dall’inutilità discografica all’interessante è completo.

Adesso, però, bisogna aggiungere tutto il resto e cioè l’originalità dei brani. Spiego meglio.

Questa canzone è 100% r&b, come detto, e lei è immensamente credibile per il tipo di timbro che ha a disposizione. Il problema è che questo tipo di r&b, con questo incedere, questi accordi, queste melodie è qualcosa di già sentito in passato.

Chiaro, il pubblico di Antonia è così giovane da vedere la fine degli anni ’90 e gli inizi degli anni 2000 come qualcosa di preistorico quindi questo discorso, per loro, potrebbe essere superfluo ma resta importante nell’ottica dell’originalità di una ragazza dalle infinite potenzialità.

Si può, si deve sperimentare con una voce e delle possibilità del genere.

Quando si ascolta questo brano sembra di ritornare al suo recente singolo estivo, specialmente nel ritornello, ed è già indicativo perché vuol dire che c’è una direzione ma che c’è, purtroppo, anche una ripetitività che si può certamente oltrepassare con il tempo.

Tempo al tempo si fa tutto.

PAGELLE NUOVI SINGOLI 13 NOVEMBRE 2026 – I BOCCIATI DA AMI

Questa è la classica canzone ‘normale’, che si muove sempre sulla stessa linea vocale senza mai osare e senza mai rischiare. Cartapesta è un nome del tutto nuovo, dunque possiamo ipotizzare che abbia ancora grandi margini di miglioramento e un futuro tutto da scrivere.

Una cosa, però, è certa: il primo miglioramento che deve fare è legato all’uscire dalla zona di comfort di una musica italiana stanca, quel pop melodico che già è coperto da decine su decine di altri cantanti che fanno esattamente la stessa cosa.

Ascoltando questo brano non hai la sensazione di stare ascoltando qualcosa di interessante, per nulla, bensì qualcosa di già sentito e risentito e non da ieri. Anche il testo è poco ispirato, privo di hook forti e di periodi memorabili.

Si può e si deve fare non di più, proprio un’altra cosa.

Il limite di questa ragazza è sempre lo stesso e, arrivati a questo punto, è davvero complicato anche solo pensare che possa cambiare qualcosa perché è il suo DNA: Gaia già esiste, Cate è arrivata tardi sul mercato e questo confronto peserà sempre fin quando farà esattamente le stesse cose che fa la Gozzi.

Non siamo in un territorio brasileiro, siamo in quello spagnolo ma la sostanza non cambia perché il problema non è solo la proposta artistica, è pure il timbro.

Storicamente, non è mai esistito un artista con dei risultati di livello che avesse lo stesso identico timbro di un altro artista. Ci sono delle caselle da riempire e la sua è già piena (per ora).

Il brano è anche fresco, simpatico, lei ha la giusta attitude ma sperare di ottenere dei risultati tangibili non è utopia perché nulla è impossibile, però di certo è molto complicato.

Questo brano è, spiace dirlo, una copia di mille riassunti (per citare una famosa hit italiana) già sentita e risentita sia nel tema, sia nel testo poco ispirato, sia nella melodia. La differenza la fa il timbro graffiato di Laura Bono ma il brano risulta stanco, stantio.

È una ballatona triste all’italiana in cui si racconta la solita, l’ennesima storia d’amore triste.

Il comunicato stampa recita così: racconta cosa accade quando due persone, convinte che il proprio amore fosse diverso da tutti gli altri, si ritrovano a vivere la separazione in modi opposti.

Ed è proprio questo il tema del brano che lo rende, tematicamente, un problema.

Solo questa settimana, di canzoni praticamente uguali, ne abbiamo ascoltate a telecamere spente almeno una cinquantina e la cosa assurda è che molte di queste erano tutte così, con questo incedere della base, lo stesso ritmo, lo stesso spirito abbattuto e, addirittura, in qualche caso anche le stesse parole. Frasi diverse ma stesse parole.

Cambiando l’ordine degli addendi il prodotto non cambia e questo limite strutturale della nostra musica italiana ha raggiunto anche Laura Bono.

Credo sia la prima volta che capiti di inserire due canzoni dello stesso artista nella stessa pagella settimanale ma tant’è, il buon Flavio ha deciso che doveva farci piangere due volte.

Detto ciò, Livia molto meglio di questa canzone per intenzione, per idee, per testo. Questa sembra un po’ più ripetitiva sia nel testo che nella melodia, non ci sono delle variazioni importanti. È una canzone un po’ più movimentata ma sempre in stile Gazzelle che racconta (strano) una storia d’amore triste.

Probabilmente quella Livia è la stessa di quest’altra canzone, chissà, ma sicuramente la giustizia musicale premia il brano con il nome rispetto a questo.

Eresia, mettere un gigante come Baglioni nella sezione dei bocciati è eresia pura ma inevitabile in questo caso e per svariati motivi. Il primo: è una canzone molto legata al pop degli anni ’90, statico e vecchio.

Il secondo è che somiglia immensamente ad altre sue canzoni come Io Sono Qui e Cuore d’aliante, insomma non ci sono elementi diversi o impattanti come, invece, avevamo riscontrato nell’ultimo suo brano tributo a cui avevamo assegnato un ricco 8.

La difficoltà, quando si è big come Baglioni, è riuscire a trovare sempre delle chiavi diverse per restare in qualche modo freschi ma non per gli altri, proprio per se stessi e la propria discografia ma in questo caso mi domando, da ascoltatore, perché dovrei scegliere di ascoltare Che Notte è questa quando posso ascoltare i suoi brani del passato già nominati qui che, ai tempi, avevano la loro giusta dose di freschezza.

Con tutta l’immensità di brani che sono stati scritti, se la scelta deve essere pubblicare canzoni che non aggiungono nulla allora forse sarebbe meglio dare lustro a ciò che già funziona.

Quando si appartiene a uno stile specifico che, però, è già ampiamente coperto sul mercato si fa una fatica immensa ad emergere e questa canzone non fa nulla per superare questo muro che, di nuovo, rimane invalicabile per le sue protagoniste che brave sono brave ma che sembrano fossilizzate in idee che non trovano un punto di luce da inseguire.

Brano pop urban che mescola una voce femminile a quella di NAP, rapper prodotto di Nuova Scena, in cui si parla di questa relazione finita non benissimo.

Anche in questo caso, il tema avrebbe potuto fare la differenza se la produzione è qualcosa di già molto sentito ma è come se inconsciamente si scegliesse di procedere verso zone di comfort difficili da abbandonare.

NAP, poi, ha lo stesso modo di rappare (e anche lo stesso timbro per certi versi, se di timbro possiamo parlare dato che è rap) di Kid Yugi ma non è Kid Yugi, ergo anche qui Houston, abbiamo un problema di riconoscibilità e originalità.

Il testo non è scritto male, semplicemente non ti lascia nessun ricordo in mente su una frase, una parola, un qualcosa. Bisogna guardare oltre i propri orizzonti perché il talento c’è, è la strada per farlo brillare che ancora non è chiara.

Il brano sembra la rivisitazione di un brano ben più famoso di un altro partenopeo, Amore Amaro di Gigi Finizio, con un bel po’ (ma proprio tanto tanto) di La Mia Storia Tra Le Dita di Gianluca Grignani.

Evidentemente è di famiglia ispirarsi a brani del passato della musica italiana.

Detto ciò, canzone d’amore che più classica non si può e che più banale non si può, non ha un singolo elemento che possa far pensare di essere di fronte a una canzone che, a meno di profondi investimenti per campagne marketing, possa anche solo interessare al pubblico italiano che non appartenga alla schiera dei fan dell’artista in questione.

Davvero non c’è altro da aggiungere. Dispiace ma questo è quanto.

Questa canzone non serve assolutamente a nulla, se non a far dire ai fan di Mambolosco “bro che hit, incredibile, capolavoro”.

Non dice nulla, se non che lui compra la droga, fa i soldi, gli piacciono i vestiti di marca e insegue quelle che lui chiama ‘banconote sporche’. Insomma, la sagra del niente misto al nulla che farà migliaia di stream e nessuno saprà mai il perché.

Andiamo avanti perché se continuiamo a parlare di questo brano restiamo davvero indietro, proprio di testa.

GOLDEN SONG

Questo ragazzo non gira mai la testa dall’altra parte, anzi.

Il testo è ricco di concetti, ricco di citazioni a fatti storici, a problemi odierni, ricco di punti e spunti per parlare per ore e ore dei temi che riguardano tutti noi e non solo in Italia, dato che si cita anche l’Iraq, Elon Musk e quindi USA, la Svizzera usata come meta per l’eutanasia che nel nostro Paese non è consentita ma non solo.

Si fa riferimento anche al cambiamento della nostra società nel tempo, ma la frase davvero incredibile è legata al concetto del colore della pelle: “l’empatia ha di solito i tratti di un europeo e la pietà il colore di un nero. Non sarà che esageriamo con queste categorie?”

Ogni singola barra ti permette di aprire una riflessione, come anche quella legata allo Stato che pensa solo ai soldi e non alle persone, oppure il ritornello che riconduce tutto al concetto di mondo che sembra gigante ma che, a causa delle bombe a lungo raggio, diventa la metà e non in senso positivo.

Sayf è uno dei cantanti/rapper più intelligenti di questa generazione e canzoni del genere lo confermano ogni volta di più.

C’è una frase, in questo brano, che restituisce la grande capacità di Pier Cortese di sapere scrivere canzoni: “come quando il mare ha iniziato a restituire persone, come se fosse stanco di tenere i suoi segreti”.

Questa è una canzone che parla di ciò che ci circonda, di ciò che fa parte della nostra quotidianità e che facciamo finta di non vedere semplicemente perché siamo pigri, spesso omertosi, ancora di più egoisti.

Questi siamo noi e Pier Cortese lo spiega benissimo restituendo delle immagini concrete che se si chiudono gli occhi si riescono a visualizzare nitidamente.

Una canzone cantautorale che ti restituisce dritto in faccia un pugno fortissimo con l’obiettivo di farti pensare o, in altri casi, svegliare dal torpore.

Foto: uffici stampa